Bitácora: El proceso de creación de LA CAJA (parte 1)
En este documento se resume en cuatro partes el proceso de creación de la obra “La Caja” del autor francés Clément Michel, dentro de TEATROLAB EL RELÓ, el laboratorio de investigación y creación teatral creado por Gabriel Olivares.
EL TEATRO ES ARTIFICIO QUE BUSCA LA AUTENTICIDAD.
Como dijo Picasso, “es una mentira que nos cuenta una verdad”. A pesar del artificio, tenemos que buscar espontaneidad y para entrar en ese paraíso, no puedes hacerlo a través de una puerta frontal. Debes dar un rodeo y encontrar la puerta trasera (lo físico, la forma…).
Un actor sabe que para conseguir un momento genuino sobre el escenario, no basta con “ser genuino”. El actor tiene que conseguir el artificio a través del entrenamiento y del ensayo. Hay un equilibrio entre el “ser marioneta” y el instinto, la escucha, la espontaneidad. Los actores negocian el artificio desde el tamaño del escenario, el texto, las luces, el vestuario…
Ocupándote de esto –conseguir el equilibrio-, se alcanza la espontaneidad y la verdad. Ha de haber un diálogo entre el trabajo formal y la persecución de la escucha, el instinto… es aquí donde comenzamos este particular bitácora que recoge un año del proceso de gestación y creación del elenco y primer espectáculo de TEATROLAB: «LA CAJA».
De cómo se ha entrenado y cómo ha surgido cada escena en la sala de ensayos.
La creación del elenco y el entrenamiento contínuo siguiendo las notas de los distintos ayudantes de dirección en el proceso.
1ª parte: Mayo-Julio 2012:
El proceso comienza con una etapa de trabajo de base que consta de una serie de actividades que tienen lugar al comienzo del ensayo con el fin de ponernos en contacto intelectual y emocional, tanto individual como colectivamente con el texto de la obra. Se incluyen en esta fase, sin limitarse, los Puntos de Vista Escénicos, de Anne Bogart, y la Composición.
Cada jornada se inicia siempre con una fase de calentamiento y entrenamiento SUZUKI. Es un trabajo físico riguroso, con influencias del teatro clásico griego, japonés, el ballet y las artes marciales.
Con estos ejercicios se busca desarrollar la conciencia del centro energético del cuerpo del actor. Es en este centro donde el actor encuentra la energía necesaria para la precisión y la claridad de la expresión de su voz y acción, momento a momento.
Arrancamos el proceso de creación, proponiendo al elenco elaborar fichas de sus personajes, siguiendo el siguiente formato:
– ME LLAMO…
– TENGO X AÑOS…
– VENGO DE…
– MI PROFESIÓN ES…
– 5 HECHOS REALES (QUE ESTÁN EN LA OBRA) QUE CONOZCO DE MI PERSONAJE.
– 5 REALIDADES QUE INTUYO DEL PERSONAJE PERO QUE NO ESTÁN EN EL TEXTO.
– ELEGIR 1 ACCIÓN DEL PERSONAJE QUE ESTÁ EN LA OBRA.
– ELEGIR 1 LÍNEA DE TEXTO DEL PERSONAJE (UNA FRASE CORTA).
– MI MAYOR MIEDO ES…
– MI MAYOR DESEO ES…
– HÁBITOS EXTRAÑOS DEL PERSONAJE.
– MIS PREFERENCIAS INCLUYEN….
Tienen, también, que hacer una composición de su personaje. Componen cinco retratos de 20 segundos –puede ser en movimiento o congelados– partiendo de una escena de la obra. Se titula cada retrato compuesto. Cada retrato tiene que tener un objeto y una música o sonido que acompañen a la composición.
Recurriendo a los viewpoints más concretamente, se “revelan” los personajes:
1. A TRAVÉS DEL TEMPO (VELOCIDAD).
2. A TRAVÉS DE LA DURACIÓN (DURANTE CUÁNTO TIEMPO).
3. A TRAVÉS DE LA TOPOGRAFÍA (MOVIMIENTO POR EL ESPACIO).
4.TRES GESTOS DE COMPORTAMIENTO (CULTURALES, SOCIALES, QUE TIENEN QUE VER CON UNA ÉPOCA, UNA PROFESIÓN)
5. DOS GESTOS DE EXPRESIÓN.
En disposición de miniparrilla, los actores experimentan en sesión abierta de Viewpoints con los ingredientes anteriores.
Se les plantea definir la esencia de la relación con los demás personajes a través de los siguientes Puntos de Vista Escénicos (viewpoints):
– Relaciones espaciales.
– El tempo.
– El gesto.
– La topografía: el dibujo que crearíamos en el suelo mediante el movimiento en el espacio.
Trabajamos un análisis de los elementos característicos del vodevil, que aparecen en La Caja:
1. PUERTAS.
2. GENTE ESCONDIDA.
3. EQUÍVOCO.
4. ARQUETIPOS.
5. VELOCIDAD.
6. EL ESPECTADOR SABE MÁS QUE EL PERSONAJE.
7. PROBLEMA CONTINUO, ACCIDENTE TRAS ACCIDENTE.
8. SECUENCIAS-MOMENTOS MUSICALES.
9. PERSONAJE EJE SOBRE EL QUE CONFLUYEN TODAS LAS SUB-TRAMAS.
FALTA:
1. IR CONTRA ALGO/ALGUIEN.
2. RESOLUCIÓN FINAL CONTUNDENTE.
3. CONCLUSIÓN DE LAS TRAMAS.
4. PERSONAJES FEMENINOS MÁS HECHOS.
Analizamos y planteamos como trabajar cada una de estas características.
Ejercicio de composición: Se establecen tres grupos de trabajo que han de elaborar una composición (tema: «de qué va LA CAJA«) de duración alrededor de los 3 minutos y que contenga las siguientes cuestiones:
– Tema de la obra.
– Mundo físico de la obra
– Personajes de la obra.
– Relaciones que se establecen.
La estructura tiene que dividiese en tres partes:
- Lo que veo.
- Lo que oigo.
- Lo que huelo.
A finales del mes de junio comenzamos a trabajar un concepto nuevo: la silueta.
Exploración de las líneas rectas, utilizando cualquier parte del cuerpo y siendo conscientes de la visión del espectador, pasamos a curvas, mezclamos y analizamos el paso de uno a otro, observando como puede modificar el tempo en esa transición.
Profundizamos en Viewpoints, centrándonos en:
– RELACIONES ESPACIALES (EN PARRILLA): Se pide trabajar a tempo medio y explorar exclusivamente mi relación con el grupo, aumentando y disminuyendo la cercanía, cambiando continuamente, conscientes de dónde estoy yo y dónde están los demás con visión periférica, explorando los límites de lo más cerca y lo más lejos.
– TRABAJO DE FORMA Y GESTO: Imaginamos un ciclorama en una de las paredes y al espectador en la posición opuesta; trabajamos la silueta principalmente y líneas rectas. Estudiar cómo un mismo gesto puede ser más expresivo dependiendo de la posición en que lo muestro al espectador. Formas sin desplazamiento.
- Añadimos una posición más del espectador: escenario en L.
- Cambiamos a líneas curvas.
- Pasamos de rectas a curvas de manera dinámica sin que se corte la energía; observamos qué sucede si aplicamos tempo lento o rápido a estas formas y luego desplazando la forma por el espacio.
- Pasamos a trabajar con un compañero; debe haber contacto. Buscando formas.
- A partir de una forma buscamos que surja un gesto de expresión (el gesto, a diferencia de la forma tiene inicio, nudo y desenlace); buscando un gesto que tenga que ver con la idea de “libertad”. Y a continuación intentamos transformar ese gesto de idea en uno de emoción: “odio”.
- Creamos una forma nueva y buscamos de nuevo “el odio”. (esa forma puede ser el inicio, nudo o final).
- Cambiamos a tristeza y le añadimos desplazamiento.
- Pasar la tristeza sólo a una mano, sólo a la cara.
- Pasamos a gestos de comportamiento. (de los abstracto a lo concreto, de lo poético a lo prosaico)
1º Gestos de comportamiento que tienen que ver con la salud (le cambiamos el tamaño, la energía, la velocidad sucesivamente).
2º Gestos de comportamiento que tienen que ver con el Siglo de Oro.
-Variante con sólo gestos italianos de la misma época.
-Años cuarenta en España.
-Años 50 en Hollywood.
-En un western.
-Ciencia Ficción.
-Gestos peculiares de una persona particular.
-Gestos que acompañan a una frase hablada.
Los gestos de expresión son más poéticos, muestran conceptos, ideas, pensamiento, emociones (la paz, el miedo, la alegría).
Los gestos de comportamiento son más prosa; son más concretos, tiene que ver con épocas concretos, culturales, de género. Son más legibles por todo el mundo.
Se le propone a los actores el siguiente ejercicio, que desarrollamos en grupos, durante distintas jornadas:
Formar parejas con personajes de “La Caja” y hacer una composición sobre la esencia relación de estos dos personajes de la obra en 2 minutos. Los actores deben hacerlo a través del uso de relaciones espaciales, tempo, gesto y topografía. Sin texto. Es importante el orden en que lo presentamos.
